Du 12 septembre au 14 novembre 2026, Aix-en-Provence, centre ville historique, quartier et villages alentours, 50 lieux accueillent la programmation

Trois oeuvres de Fabien Léaustic, Julia Lema Barros, Adrien Menu

par Véronique Vial, enseignante en histoire de l’art, et bien d’autres choses encore

Pour une fois, à la proposition de Mme Véronique Vial, je partage exceptionnellement une page de mon blog pour cet article portant sur trois artistes exposant à la Biennale d’Aix cette année. Merci à elle pour son intérêt et pour ses mots.

Pour la « Biennale Aix » 2026, l’association « Arts Vivants » est présente. Rindala El Khoury a intégré dans la programmation de la Biennale,de la ville d’Aix en Provence, des artistes dans deux lieux différents.La chapelle des Andrettes a accueilli l’artiste Fabien Léaustic, pour présenter une œuvresculpturale de grande dimension : La Chute.

C’est dans ce lieu patrimonial de la ville, non loin du Musée Granet que Fabien Léaustica suspendu grâce à un trépied monumental, une carcasse de bœuf ou de vache ou de taureau, en cire d’abeille. La dimension de l’oeuvre posée dans l’espace, à quelques centimètres du sol augmente la fragilité des matériaux, qui contraste avec la chose présentée, grandeur nature, encire d’abeille à partir d’un moulage. L’idée du mammifère est là, il en reste les os, un squelette entier. De Rembrandt à Bacon, et en pensant aussi à Gilles Barbier, qui expose de la viande, les références sont nombreuses en peinture, qui représentent la chair, dont nous avons presque l’odeur de la putréfaction, ainsi que l’expression des entrailles, de l’enfer et donc de l’animalité dans la représentation traditionnelle – la référence paradoxale au Pape,dans Figure with Meat, de Francis Bacon en est peut être la critique. Dans l’installation à la chapelle des Andrettes, Fabien Léaustic se positionne différemment, il met fin à l’esthétique de la déchirure, de la béance, de l’écorché qui sort de l’ombre, du corps à vif, « le devenir animal » dont parle Deleuze est suspendu, ou en chute libre, il se passe autre chose dans cette installation d’une grande délicatesse, où les traces de sang infimes sont comme des petites taches de peinture, des détails archivés, sur l’ensemble de l’oeuvre tridimensionnelle qui nous invite à en faire le tour. Notre odorat entend le bourdonnement des abeilles, avec le goût du miel, il y a la densité de la couleur dorée en pleine lumière, qui donne un goût de poésie et de joie. A tout moment la cire peu fondre, et redevenir informe. Les œuvres de Rembrandt et de Bacon appellent aux cris, alors qu’ici le squelette appelle au silence, la sauvagerie a disparu, les os font déjà parti d’une archéologie, celle du musée d’Histoire ou de Paléontologie, ils font parti d’un monde ancien, comme celui des statues de cire du musée Grévin, où l’animal serait une star. Il est question ici d’un moment intemporel, où l’animalité de la bête comparée à celle de l’humain est annulée, où la cruauté est absente, il reste l’esprit du lieu et l’essence du sacré. Sur les parois de la chapelle des petits exvoto abstraits en cire fondues, encadrés sous verre, rendent compte des vœux de protections de l’esprit du bœuf et de la vache, animal sacré en Inde.

Le parcours de Fabien Léaustic comprend des présentations au Palais de Tokyo, au FRACFranche-Comté, à la Fondation Vasarely et à la Casa de Velázquez à Madrid. Il a été nommé auprix Révélations Emerige en 2017. Ses recherches portent aussi sur l’écologie du sensible et lamanière dont les choix de matériaux façonnent les œuvres. L’artiste-chercheur construit ainsi unespace de rencontre entre observation scientifique, fabrication et expérience esthétique.

Dans le jardin du monument Joseph Sec, à Aix en Provence, « Art Vivants» a programmé deux œuvres in situ.Ce monument cénotaphe prévu pour la sépulture de Joseph Sec, est une architecture mitoyenne, des maisons ayant également appartenus à ce personnage important, dans la vie aixoise, pendant la révolution française. Sept statuts de grandes tailles dans l’espace du jardin présentent des figures de l’ancien testament dans un style antiquisant, et font partie d’un décor sculpté ambigu, dans un syncrétisme étonnant, car le monument est une allégorie aux lois républicaines qui prônent la justice et l’égalité des peuples, comme la fin de l’esclavage.

Se confrontant à cet ensemble architectural composé d’une tour, qui abrite des symboles francs -maçonniques, Julia Lema Barros, a créé une œuvre in situ Verdes Anos,une sorte de tourelle dont la forme phallique émergente est accentuée par la matièreblanche qui la recouvre, donnant une connotation sexuée à l’installation.Plusieurs éléments hétérogènes se côtoient, s’opposent, se contredisent et se renforcent,nous questionnant sur le sens de cette oeuvre qui offre une multitude d’interprétations.Même si Verdes Anos se situe dans l’histoire du cinéma, comme titres de films,nous sommes tentés à priori d’y trouver une référence à la nature, à cette nature que nous avons perdue, cet âge d’or vertueux, celui où la nature « natura » existait. Pour les Anciens, la natura n’est pas un simple décor passif ou un « environnement » extérieur à l’homme, mais une force active, créatrice et ordonnatrice du cosmos. L’utilisation des codes de la contemporanéité – mis en place au début du 20ème siècle –comme les écarts de proportions, ou la fragmentation d’objets, ici : cartable, livres,plantes, herbacés, qui sont disposés sur et autour de l’oeuvre, avec du son discontinu, auquel se rajoute la lecture silencieuse de textes qui nous sont remis; produisent un espace inesthétique, une perception sensible qui nous met mal à l’aise. Nous pouvons y voir une référence à l’Arte Povera, quelque chose de la pauvreté des matériaux, en opposition avec la richesse du langage poétique. Egalement une esthétique de la dégoulinure, comme dans certaines compositions tridimensionnelles d’Anita Molinero, pour dire le déchet, le gaspillage, la disparition, et ceci avec dysharmonie.Cette œuvre veut avec peu de moyens, et beaucoup d’ironie parler de l’hégémonie du masculin, et de la mondialisation, symbolisées par l‘orgueil de la Tour de Babel, nous amenant peut être à considérer pour l’avenir, les architectures féminines de Rudy Ricciotti,du Mucem, ou celle de Ryue Nishizawa et de l’artiste Rei Naito, au Japon, – musée d’art de Teshima – qui représentent une fusion, d’architecture d’art et de nature, nous invitant à la méditation et à la paix.

Lauréate du Prix Granet des Amis du Musée dès 2015, Julia Léma Barros a exposé au Musée Granet, au Château La Coste et à la Biennale d’Art d’Aix-en-Provence. Son travail rayonne désormais à l’échelle européenne, comme en témoignent ses récentes distinctions, notamment les prix Culture Moves Europe et Portuguese Emerging Arts en 2023.

Dans ce même jardin du monument Joseph Sec, Adrien Menu expose une de ses sculptures en béton teinté, qui est de l’ordre d’une disparition, tellement elle se fond dans l’environnement sculptural du jardin, en pendant à un autre banc, qui lui même est un peu caché.Il faut s’approcher de la sculpture ou avoir envie de s’y assoir pour se demander ce qui s’y passe,et essayer d’en percer le mystère.

Ebauche d’un poème absent nous parle tout de suite du manque. Un vieux sac vide, un livre ou cahier, un casque audio, des feuilles d’arbres qui sont tombées là,sur un banc quelconque, nous indiquent que ces choses sont peut-être abandonnées, vieilles, dans l’attente, on ne sait pas. Qui a laissé ses affaires ? Elles sont pétrifiées, comme des vestiges du Vésuve. Petit à petit nous nous rendons compte que tout ça est un leurre, il faut toucher l’oeuvre s’asseoir sur le banc pour se rendre compte que les choses sont dures et lourdes, qu’elles font partie du même ensemble, d’un tout composé, et que c’est du fac-similé, une imitation parfaite, une mimesis qui ressemble aux raisins peints de Zeuxis que les oiseaux sont venus picorer.Dans cette mise en scène, nous devenons acteur du scénario que nous inventons, l’oeuvre devient un moment de vie dans laquelle nous sommes entrés, l’oeuvre est alors dans son apparition. Il se peut que nous ayons eu besoin de nous asseoir sur ce banc et alors la sculpture devient utile, elle permet un repos, sans se manifester en tant qu’oeuvre d’art, à laquelle il aurait fallu donner une attention particulière, en lui imposant une distance de protection, avec une barrière. Apparition et disparition semblent coïncider. On y retrouve aussi peut-être un mini évènement éphémère, le temps de l’oeuvre, comme on peut le voir avec les œuvres d’Ernest Pignon Ernest, qui sont là dans une rencontre fortuite avec le spectateur lambda. Un moment qui dépend du contexte extérieur changeant. Mais alors que le papier se dégrade facilement et que l’oeuvre d’Ernest.P.E disparaît rapidement, ici l’oeuvre en béton on le sait survivra aux intempéries. Pourtant quelque chose de sa disparition annoncée est en cours ou à prévoir. Elle sera peut être ensevelie par les feuilles d’automne, ou recouverte de mousse ?

Cette œuvre qui peut exister également à l’intérieur, s’appuie sur un paradoxe, car si elle trouve ici dans ce jardin une émotion sombre, celle humble d’une solitude qui se rapproche des éléments naturels, avec une simplicité proche de l’esthétique japonaise du Wabi-Sabi, elle la contredit par sa réalisation matérielle complexe, voire sophistiquée. Derrière le banc nous découvrons une bouteille accolée à celui-ci, et de nombreux petits escargots immobilisés par le moulage, d’une délicatesse qui à la matière du béton. Il y a l’idée de l’immobilité dans cette œuvre renforcée par sont support, c’est à dire par le banc.La vision est mise au défi et nous devons toucher ces objets, les expérimenter tactilement pour en sonder la vérité au sein des illusions créées. C’est le propre d’une œuvre, de produire la vérité, cachée par le voile des illusions, et quand bien même l’art décide de se mettre à nu, il existe une apparence qui détient un secret. Ces escargots dans l’art nous amènent à l ‘Annonciation de Francesco del Cossa, montrant au premier plan un escargot, celui-ci interroge depuis des siècles les historiens de l’art les plus célèbres. D’ailleurs c’est dans le livre de Daniel Arasse On y voit rien que ce tableau est commenté au grand public, pour expliquer ces choses cachées. Quoi de plus mystérieux que le moment de l’apparition de l’ange Gabriel, devant Marie ?

Adrien Menu a suivi ses études à l’École nationale des beaux-arts de Dijon, à l’École des Beaux-Arts de Buenos Aires, puis à la Villa Arson – École nationale supérieure d’art de Nice, dont il est diplômé en 2016. La même année, il reçoit le Prix de la jeune création de la Ville de Nice.Sculpteur et peintre, son travail mêle représentations d’objets, de corps, de machines, de paysages et d’architectures,révélant souvent la porosité de leurs définitions, dans des compositions où les détails pullulent.

Textes et photographies Véronique Vial.